因为想象力，人类创造出诗歌和神话，建筑和艺术。如今，随着技术的发展，对于人类的这种特质，机器是否可以通过学习来获得？日前，围绕着“人工想象力”的主题，由同济大学主办、同济大学设计创意学院—艺术与人工智能实验室和艾厂人工智能中心承办的第二届aai艺术与人工智能国际论坛在线上举办。来自艺术、设计、文学、计算机科学和哲学等专业领域的演讲嘉宾，以自己的研究为基础阐释了对“人工想象力”的理解和定义，进而探讨人工智能艺术可能性。澎湃新闻从中摘选了部分嘉宾发言，虽然研究视角不同，但他们都从机器的“想象力”中发现了艺术的可能性。
阿德里安·诺茨（苏黎世联邦理工学院人工智能中心策展人）：
阿德里安·诺茨（Adrian Notz）
今天我想分享的主题是“艺术语境下的量子随机性”。我会从《AAI宣言》（AAI Manifesto）附言中对于阿尔布雷特·丢勒（Albrecht Durer）的引用开始，它将丢勒1515年的木刻作品《犀牛》视为艺术想象力的范例，因为丢勒从未亲眼见过犀牛，仅凭他人的草图和描绘画了出来。在《AAI宣言》中，丢勒被人与AI作比较，因为二者都具有准确性和信服力。丢勒的这幅木刻可以被视为一种神经网络的学习，因为他也仅仅根据文本输入进行创作。
《犀牛》 阿尔布雷特·丢勒1515
我常常将这个例子用在探讨艺术、科学与AI的关系的演讲中。它不仅展现了艺术想象力，也让人看到500年前的艺术与科学已经作为一体被人理解。当时，丢勒、达·芬奇和米开朗基罗没有被当成艺术家，而是工匠、工程师，或者科学家，今天我们或许还会称之为革新者与发明家。他们的形象出现在苏黎世联邦理工学院（简称ETH）的外立面上。
《巴比伦愿景》（Babylonian Vision）
2021年，我和艺术家Nora Al-Badri在ETH人工智能中心展开合作，她呈现了作品《巴比伦愿景》（Babylonian Vision）：这是通过生成对抗网络对美索不达米亚文化遗产生成的图像。我们期望将艺术带到科学与AI研究即应用的语境中，强调AI的跨学科共同演化特点。这一点与ETH人工智能中心的任务一致，即建立可信任、可利用、有包容性的AI，为社会谋利。可信任的AI遵循四大原则：尊重人类自治、防止危害、公平、可以解释。简而言之，我们需要的是“体面的AI”。因此，如今研究者们在探索如何将个人权益、因果关系等抽象的哲学概念作为AI设计的一部分。
昔日达达主义者聚集的伏尔泰酒馆
我曾担任苏黎世伏尔泰酒馆的艺术总监，那被认为是达达主义的诞生地，因此我能够将我现在的研究与达达主义者所做的事联系在一起。我想以让·阿尔普（Hans Arp）为例。对阿尔普而言，随机性是其作品的关键，他不只将随机性视为一种现象，更将其视为一切创造的基本法则。“通过避免构图时的主观意志，依赖自动的执行，我不断发展纸上拼贴的技艺，我将其成为依赖偶然性而创作的作品。”阿尔普说道。他远离了艺术创作的主观性，让创作避免了自己的控制。我认为他由此创造了最纯粹的生命。通过拥抱自动性与偶然性，他像自然创造形式那样进行创作。大自然有基本的元素：星星、花朵、树木，它们聚集起来，构成各种各样的星系。在阿尔普看来，这种随机的聚集是大自然依据人类所不可感知的法则完成的。这也解释了阿尔普在其四边形图案拼贴中展现的矛盾性。
让·阿尔普的剪贴画
阿尔普发现随机性的时候正是一战在欧洲战场爆发之时。战争让达达主义者们对于技术产生怀疑。伏尔泰酒馆的创始人说，战争基于明显的错误，人们应该毁灭机器，而非他人。与此同时，前往美洲的欧洲艺术家们，如杜尚、曼·雷等对于技术进步充满热情。艺术家弗朗西斯·毕卡比亚（Francis Picabia）就在美国时意识到，现代世界在于机器，通过机器，艺术能够应该能找到最生动的表达；机器可能是人类灵魂的核心。他创作了机器形态系列绘画（Mechanomorph），即机器的肖像画，往往具有人类学的、哲学的、甚至情欲的色彩。同样是在欧洲，一战以后，一些艺术家开始拥抱机器，就像今天的人们一样，希望机器能解决人类文明的一些问题。在柏林，艺术家们开始赞美俄国构成主义艺术家，这标志着艺术转向功能主义，即塑造未来人们的艺术视野。共产主义和集体经济不仅为俄国积攒了经济能量，还带来了技术革新，完成了俄国工业化，并且让人们对世界有了新的看法。通过构成主义者、至上主义者以及未来主义者，这样的发展让人们感受到了狂喜。艺术家又一次不再被视为艺术家，而是塑造人类未来的工程师。
弗朗西斯·毕卡比亚的机器绘画
最近，在印度班加罗尔一家IT公司的演讲中，人们询问了我对于随机性的看法。在只能够用艺术达达先锋派以及艺术史作为参考的情况下，我解释了一个世纪前、在今天被称为就量子理论的时代，欧洲艺术家根据随机性展开工作。一位年轻的印度工程师专门研究量子随机性，他想看看我的随机性概念能不能适用于他的研究。我们两个人实际上都没有理解对方在说什么，但是通过随机性术语，我们还是激发了彼此的想象力，以一种彼此纠缠的方式触发了对方，改变了彼此的轨迹。
在2022年的一场讲座中，我在美国普林斯顿高等研究院理论物理学家胡安·马尔达西那（Juan M、Maldacena）的讲座“黑洞和时空结构”中了解到纠缠，纠缠在决定时空结构中起着关键的作用。很多无政府主义都是围绕着某种对话原则进行的，当然也是基于过去5000年的一种文明进行合作的。事实上，无论是印度、中国还是希腊，在古代世界，哲学都是以对话的方式写成的，哪怕对话中往往是一个人说了95%的话。这种对话与自我反思的意识是让我们可能成为真正人类的东西。我们是集体的、政治的、双人的。大多数自我意识的思考恰恰发生在自我界限不清晰的时候。
雷菲克·安纳多尔（新媒体艺术家）：
雷菲克·安纳多尔（Refik Anadol）
我是一位媒体艺术家，在美国加州大学洛杉矶分校授课。我出生在土耳其伊斯坦布尔，那里的海峡就像是连接传统与现代、东方与西方的桥梁，这座城市给我很多灵感。
我8岁的时候有了第一台电脑，这个机器完全改变了我的思维方式，我开始去思考机器头脑中的空间。2008年也是非常重要的一年，我在德国柏林的媒体墙展览上（Media Facades）听了Lev Manovich关于《增强空间的诗学》的发言，他说建筑师和艺术家可以更进一步，将电子数据流的“虚拟空间”视为一种物质而非虚空，是一种需要诗学、政治学和结构的物质。接下来我将讲述我与数据、AI一起展开的旅行。
2008年的德国柏林“媒体墙”活动信息
凯文·凯利（Kevin Kelly）在《技术想要什么》（What Technology Wants）一书中指出，科学家找到了惊人的发现——无论你如何额定义生命，生命不在于在DNA组织或血肉这样的物质形式中，而在于能量的无形组织以及这些物质形式所蕴含的信息。而技术的核心正是在于观点和信息，我们可以看到生命和技术都基于非物质的信息流。在过去的8年中，我和我的工作室致力于将媒体艺术应用于建筑，将非物质的信息转化成有形的感受，从而形成艺术的体验。
《梦想档案馆》（ Archive Dreaming）
2011年，我第一次在公共空间呈现了三维“数据雕塑”，我意识到了数据的重要性，我将其视为一种输入，把它作为一种记忆的方式。2016年，我成为首个使用AI的谷歌驻地艺术家，让我着迷的是使用“未来的图书馆”的想法，受此启发，我创作了《梦想档案馆》（ Archive Dreaming）。这是一个沉浸式装置，你可以实时与AI进行互动。我们输入170万份开源档案，让机器学习加入其中，然后生成结果。让我感到振奋的是将“潜在空间”（latent space）当作画布，在这个黑匣子中寻找意义。同样重要的是，正如在图书馆中能够将信息转化成知识、进而转化成现实体验或者智慧，我们能看到档案学家如何使用数据，也能看到AI如何创造信息丛。从这时我开始创作“数据宇宙”系列。在《梦想档案馆》里，你可以沉浸式地体验以机器的速度进行学习。
《量自记忆》，雷菲克·安纳多尔作品
同样让我感兴趣的还有“机器的幻觉”：如果机器可以学习的话，它是否也会做梦？我和生成对抗网络的专家合作，对170万份档案进行探索，再利用算法生成新的结果，最终创造出潜在作品，也就是我所说的“AI绘画”与“AI数据雕塑”。我们能够看到AI如何转译数据，并将其进行“着色”。在过去的数年当中，我们有数百个AI模型，进行了很多的展示。在我们的任何项目中，我们并不是看数据，而是机器怎么进行记忆创作。每一个不同的模型，每一个不同的颜色，每一个不同的时刻，这是在生命中的时刻，是AI梦想中的时刻。2018年，我们接到委任，让AI学习了1.13亿张纽约城市的照片，然后创造出沉浸式装置，让人走进“机器的梦”。
雷菲克·安纳多尔的作品
公共艺术与NFT对于我们的研究也很重要。2019年，我们做了新项目《变形》，我们讨论的是人工智能不仅仅是视觉和声音的环境，甚至能生产嗅觉。能不能通过NFT的方式去产生一种嗅觉，让你走进沉浸式的空间时，这个房间也会有一种实时的味道，基于你所看到的这些颜色，能够实时感觉到不同的味道。这是第一次人工智能能够产生多感觉联动的实时3D沉浸式空间，这更像是混合现实的实践，正如菲利普·K·迪克说，现实就是，故事消失时，它不会消失。（机器的）模仿也是如此，故事是人类去创造这个世界的欲望之一；模仿本身没有自足的意义，它只是存在在那里。
《无监督》（Unsupervised）中展现的“机器幻觉”
去年，我和纽约MoMA合作，创造了世界上第一个NFT合作式博物馆。项目名为《无监督》（Unsupervised），展示了多件由人工智能模型根据MoMA馆藏的公共元数据、经过训练创造出的作品。两周前，我们在巴塞罗那的高迪建筑前，聚集了大约4.7万人。我们运用了他非常独特的建筑立面进行创作，结合一系列来自教科文组织的一系列数据，使用实时生成的游戏引擎，将这个建筑作品的环境变成了活的环境。
莎宾娜·赫梅尔斯巴赫（瑞士巴塞尔电子艺术总监）：
莎宾娜·赫梅尔斯巴赫（Sabine Himmelsbach）
我会从我作为巴塞尔电子艺术中心总监和策展人的角度出发，来讲述AI和艺术。2019年，我们呈现了展览“交织的现实：与人工智能共存”，聚焦AI艺术，接下来，我们举办了不少与AI艺术相关的展览，展现作为艺术创作工具的AI，或是对AI如何影响社会进行反思。
说到今天的主题“AI与艺术”，在艺术史中，艺术家们使用机器来帮助创作有很长的传统：从20世纪初未来主义者的“机器梦”，到20世纪60年代的计算机绘图，再到如今对于AI的运用。哈罗德·科恩（Harold Cohen）在20世纪70年代时创造的Aaron计算机系统是较早的AI案例之一。他对于这种系统的创作能力感兴趣，并且将其视为他个人艺术创作的合作者。机器以黑白来作画，而科恩手动进行填色。Aaron是历史上运行时间最长、且一直处于良好状态的AI系统之一。但是科恩明白，Aaron的创造力不如他自己创造Aaron来得强。他将其与工作室助手相提并论。
哈罗德·科恩和他的Aaron计算机绘画
这是埃德蒙·德·贝拉米（Edmond Belamy）用AI创作的人物肖像，作品以大约40万美元在2018年的佳士得拍卖中售出，是估值的45倍。艺术家着迷于AI的视觉输出或是声音创作。音乐家荷莉·赫恩登（Holly Herndon）将AI创作的声音用于合奏曲中，并推出了她自己的AI模型，允许其他音乐家一起使用。AI艺术先锋、德国艺术家马里奥·克里格曼（Mario Klingemann）使用AI创作了一系列神秘画作，以探索图像生产的潜在空间。
克里格曼从互联网上找到过去几百年的人脸图像，训练了自己的神经网络，即“生成对抗网络”，构成了他的审美宣言。在作品《不可思议的镜子》（Uncanny Mirror）中，观众看“镜子”里的自己，这个映像似乎在欢迎参观者。但这并不是真正的镜子，而是通过AI来解读和识别的人脸，在持续的影像中，过去或未来的面孔浮现出来，使作品有一种超现实的怪异感。
《不可思议的镜子》（Uncanny Mirror） 马里奥·克里格曼
2019年，我和鲍里斯·马格里尼（Boris Magrini）共同策划了展览“交织的现实：与人工智能共存”，展览将AI视作创造声音与图像的新世界的一种工具，探索使用AI的艺术家如何评估它的创造性，以及如何界定作者身份。 正如展览标题所示，它反映了在我们与机器进行互动并为之赋权后，交织的新现实诞生了，因此我们必须承认我们生活的世界是被AI所塑造与联合设计的。
我们还用AI来帮助策展。我们邀请瑞士艺术家团体fabric|ch来训练AI，为展览设计布景。为此，我们提供了每件展品的灯光、技术需求等细节。结果令人惊讶，算法把一切都划分成一个个单独的部分和碎片，展墙的颜色则是不规律的。对我们来说，这是一种启发，是我们自己不会想出来的解决方案。展览最后采用了我们自己的方案，但是得到了来自AI的灵感。
fabric|ch通过训练AI得到的策展方案
除了看到AI带给我们的惊喜，我们也希望解决随之而来的社会伦理问题。在另一场我和阿丽亚娜·科克（Ariane Koek）、安琪莉可·斯班尼克（Angelique Spaninks）共同策划的展览“真实感受——情感和技术”中，我们想要展现AI已经能够辨别、衡量和操控情感，而这原本被认为是人类经验的核心以及人区别于机器的所在。
《Vibe Check》 Lauren Lee McCarthy
在美国艺术家Lauren Lee McCarthy的作品《Vibe Check》中，人们可以在屏幕看到自己的形象，机器学习系统能够分析人们的情感，并且检索他们的感受。韩国艺术家组合金容动&申承帛的作品《大脑》（Mind）使用AI进行面部识别，将收集到的感受汇聚起来，如同大海。在空间地面上，有金属球的鼓会基于检测到的1100个人的“平均情感”制造出相应的大海声，墙上的显示器则呈现出相应的模拟图像：大海一直在涌动，快乐的情感会引起洋流，紧张则会引起暴风雨。通过技术，人类和自然似乎彼此交织。
《大脑》（Mind），金容动&申承帛
最后让我引用艺术家、作家与技术专家詹姆斯·布莱德尔（James Bridle）的话来结尾：“如果人工智能的意义不在于与我们产生竞争、取代或者替代我们，如果它的目的是打开我们的双眼和头脑，让我们看到智能的现实是可以通过各种奇妙的方式实现的，一切会怎么样？”
（本文根据论坛发言翻译和整理）